¿Qué es la investigación en las artes visuales?
La pregunta podría ser tachada de baladí, incluso de estulta por varios artistas. Sin embargo aún a pesar del escepticismo por parte de algunos artistas para con ella la pregunta sobrevive, demandando una respuesta. Se me ha encargado darle solución al problema. Después de cavilar un rato respecto a la pregunta he llegado a una respuesta: “La investigación en las artes visuales representa la columna vertebral de las mismas”. Como columna vertebral da sustento a todo el cuerpo artístico, sin ella el cuerpo no se sostendría. Como columna vertebral lleva dentro de sí todo el aparato nervioso y de comunicaciones que articula el cuerpo, guiando a cada parte en función del todo; autónoma la mano, pero en coordinación con el pie. En el mundo de hoy sin la columna vertebral, sin la investigación, las artes visuales, el cuerpo entero de las mismas, se colapsaría, y sin cuerpo que de forma a las artes visuales éstas se volverían completamente ininteligibles para el resto del mundo, tanto para otras artes como para la sociedad en general, con todas las implicaciones que tal colapso e ininteligibilidad representarían.
Después de lo planteado surge la necesidad de explicar ¿Cómo es que llegué a tal respuesta? Ésta se deriva de las propiedades de la expresión artística en general.
El arte representa una experiencia sensorial. Dentro de las artes visuales representa una experiencia principalmente visual. Ahora bien la experiencia visual artística esta íntimamente ligada a la semiótica (por la corriente norteamericana), o a la semiología (por la corriente francesa), es decir, el estudio de los signos. “Un signo es un estímulo-es decir una sustancia sensible- cuya imagen mental está asociada en nuestro espíritu a la imagen de otro estímulo que ese signo tiene por función evocar con el objeto de establecer una comunicación”. [Guiraud, Pierre. La semiología, 1971]
Entonces las artes visuales siempre estarán ligadas a estos estímulos, que al momento de ser “consumidos” nos llevarán a una instancia o estadio, mental o espiritual, distinto al inicial. Hasta aquí muy bien podríamos sencillamente conocer que esto sucede, pero no preocuparnos del porqué sucede. Conformarnos, como artistas, incluso como teóricos del arte, con la mera experiencia física del signo artístico en función de lo que el cuerpo ve y experimenta. Sin embargo, existen teóricos como Henry Bergson quien dice sobre nuestro cuerpo que “es un instrumento de acción y de acción solamente. En ningún momento, en ningún sentido, bajo ninguna circunstancia, nos sirve para prepararnos, mucho menos para explicar una representación”. [Bergson, Henry. Materia y Memoria, 1988] Siendo un signo el arte es una representación, siendo una representación, el cuerpo, es decir la experiencia visual, el mero acto de crear y de ver, no nos sirve para explicar el arte, para entenderlo, para aprehenderlo. Tras el argumento de Bergson surge la pregunta, ¿Cómo entonces explicar el arte, y sobre todo el arte visual? La investigación, es la respuesta. La investigación es un proceso que va más allá de la experiencia corporal y que estudia las relaciones del cuerpo y el alma para con el arte, y para con otros cuerpos, ya sea el cuerpo y alma del artista o del observador o del consumidor de la obra de arte. La investigación racionaliza, condensa en conceptos inteligibles las expresiones artísticas. Da volumen cognitivo a la obra de arte.
Hasta aquí se ha expuesto al arte como signo, y se ha expuesto el porque la mera experiencia de creación y observación no bastan para explicarlo, que es necesaria la investigación para poder producir una explicación del objeto artístico, de su creación y de su consumo, sin embargo, todavía se podría argumentar que si bien la investigación explica la experiencia y producción artística, sin ella no necesariamente se colapsaría el arte y su producción, que el contenido, la forma, la técnica, es decir el arte en sí mismo le daría ese sustento en vez de la investigación. Este argumento resulta ingenuo en la dinámica del arte hoy en día… El arte es signo, y “la más alta función del signo es hacer desaparecer la realidad y, al mismo tiempo, enmascarar esta desaparición” [Baudrillard Jean, El complot del arte 2006] este interesante fenómeno lleva a que el arte se disocie y disocie la realidad, al disociar la realidad cae en un simulacro, al caer en esta dinámica se vacía de todos aquellos elementos que, más allá de la investigación y la conceptualización, le dotaban de presencia: el contenido, la forma y la técnica, estos elementos se vuelven vacíos, ya no son más. “En lo que concierne al arte, la orgía de la modernidad ha consistido en deconstruir alegremente el objeto y la representación”. [Baudrillard Jean, El complot del arte 2006]. Esto nos lleva a una “insignificación del arte”, como la lama Baudrillard a que el arte “reivindique la nulidad, la insignificancia y el sinsentido”. [Baudrillard Jean, El complot del arte 2006]. Este es el panorama del arte que plantea una de las mentes más agudas y críticas de nuestros tiempos. Un estado como el descrito falla en su función comunicativa y simbólica. Es necesario un nuevo nodo en el reino del arte que lo sostenga. Una columna vertebral que le de forma y lo comunique, que le de sustento conceptual y lo legitime artísticamente ante la sociedad y ante el resto del arte. Decía Hegel “Por más que en la actualidad se quiera crear un mundo autosuficiente y acorde consigo mismo, la obra de arte como objeto aislado y verdadero no es para sí misma, sino para nosotros, para un público que la contempla y la disfruta” [G.F.W. Hegel. Ästhetik. Citado por F. Bassange, 1965]. La cita anterior nos plantea un contexto social y es menester del artista, y del investigador del arte, es una responsabilidad para con su público, y para consigo mismo, el investigar este contexto inherente a toda obra y a todo artista.
Fuentes de Investigación.
Piccini Mabel, Coordinadora. Recepción Artítstica y Consumo Cultural.
El texto Rall Dietrich La teoría de la recepción. INBA. México D.F. 2000.
Baudrillard Jean. El complot del arte. Ilusión y desilusión estéticas. Amorrortu, Buenos Aires, 2006.
Guiraud Pierre. La semiología. Siglo XXI. México D.F. 2002.
Bergson Henry. Matter and Memory. Zone Books, New York, 1999.
Después de lo planteado surge la necesidad de explicar ¿Cómo es que llegué a tal respuesta? Ésta se deriva de las propiedades de la expresión artística en general.
El arte representa una experiencia sensorial. Dentro de las artes visuales representa una experiencia principalmente visual. Ahora bien la experiencia visual artística esta íntimamente ligada a la semiótica (por la corriente norteamericana), o a la semiología (por la corriente francesa), es decir, el estudio de los signos. “Un signo es un estímulo-es decir una sustancia sensible- cuya imagen mental está asociada en nuestro espíritu a la imagen de otro estímulo que ese signo tiene por función evocar con el objeto de establecer una comunicación”. [Guiraud, Pierre. La semiología, 1971]
Entonces las artes visuales siempre estarán ligadas a estos estímulos, que al momento de ser “consumidos” nos llevarán a una instancia o estadio, mental o espiritual, distinto al inicial. Hasta aquí muy bien podríamos sencillamente conocer que esto sucede, pero no preocuparnos del porqué sucede. Conformarnos, como artistas, incluso como teóricos del arte, con la mera experiencia física del signo artístico en función de lo que el cuerpo ve y experimenta. Sin embargo, existen teóricos como Henry Bergson quien dice sobre nuestro cuerpo que “es un instrumento de acción y de acción solamente. En ningún momento, en ningún sentido, bajo ninguna circunstancia, nos sirve para prepararnos, mucho menos para explicar una representación”. [Bergson, Henry. Materia y Memoria, 1988] Siendo un signo el arte es una representación, siendo una representación, el cuerpo, es decir la experiencia visual, el mero acto de crear y de ver, no nos sirve para explicar el arte, para entenderlo, para aprehenderlo. Tras el argumento de Bergson surge la pregunta, ¿Cómo entonces explicar el arte, y sobre todo el arte visual? La investigación, es la respuesta. La investigación es un proceso que va más allá de la experiencia corporal y que estudia las relaciones del cuerpo y el alma para con el arte, y para con otros cuerpos, ya sea el cuerpo y alma del artista o del observador o del consumidor de la obra de arte. La investigación racionaliza, condensa en conceptos inteligibles las expresiones artísticas. Da volumen cognitivo a la obra de arte.
Hasta aquí se ha expuesto al arte como signo, y se ha expuesto el porque la mera experiencia de creación y observación no bastan para explicarlo, que es necesaria la investigación para poder producir una explicación del objeto artístico, de su creación y de su consumo, sin embargo, todavía se podría argumentar que si bien la investigación explica la experiencia y producción artística, sin ella no necesariamente se colapsaría el arte y su producción, que el contenido, la forma, la técnica, es decir el arte en sí mismo le daría ese sustento en vez de la investigación. Este argumento resulta ingenuo en la dinámica del arte hoy en día… El arte es signo, y “la más alta función del signo es hacer desaparecer la realidad y, al mismo tiempo, enmascarar esta desaparición” [Baudrillard Jean, El complot del arte 2006] este interesante fenómeno lleva a que el arte se disocie y disocie la realidad, al disociar la realidad cae en un simulacro, al caer en esta dinámica se vacía de todos aquellos elementos que, más allá de la investigación y la conceptualización, le dotaban de presencia: el contenido, la forma y la técnica, estos elementos se vuelven vacíos, ya no son más. “En lo que concierne al arte, la orgía de la modernidad ha consistido en deconstruir alegremente el objeto y la representación”. [Baudrillard Jean, El complot del arte 2006]. Esto nos lleva a una “insignificación del arte”, como la lama Baudrillard a que el arte “reivindique la nulidad, la insignificancia y el sinsentido”. [Baudrillard Jean, El complot del arte 2006]. Este es el panorama del arte que plantea una de las mentes más agudas y críticas de nuestros tiempos. Un estado como el descrito falla en su función comunicativa y simbólica. Es necesario un nuevo nodo en el reino del arte que lo sostenga. Una columna vertebral que le de forma y lo comunique, que le de sustento conceptual y lo legitime artísticamente ante la sociedad y ante el resto del arte. Decía Hegel “Por más que en la actualidad se quiera crear un mundo autosuficiente y acorde consigo mismo, la obra de arte como objeto aislado y verdadero no es para sí misma, sino para nosotros, para un público que la contempla y la disfruta” [G.F.W. Hegel. Ästhetik. Citado por F. Bassange, 1965]. La cita anterior nos plantea un contexto social y es menester del artista, y del investigador del arte, es una responsabilidad para con su público, y para consigo mismo, el investigar este contexto inherente a toda obra y a todo artista.
Fuentes de Investigación.
Piccini Mabel, Coordinadora. Recepción Artítstica y Consumo Cultural.
El texto Rall Dietrich La teoría de la recepción. INBA. México D.F. 2000.
Baudrillard Jean. El complot del arte. Ilusión y desilusión estéticas. Amorrortu, Buenos Aires, 2006.
Guiraud Pierre. La semiología. Siglo XXI. México D.F. 2002.
Bergson Henry. Matter and Memory. Zone Books, New York, 1999.
